Sonntag Abend, 18.00 Uhr. Über die Sophienstraße im westlichen Ringgebiet hat sich bereits tiefe Dunkelheit gebreitet. Doch aus den großen Schaufenster der Nr. 12 leuchtet es hell auf die Straße hinaus, man wird magisch angezogen von diesem Licht. Ein neuer Ausstellungsort ist hier entstanden: „weissnicht/knöchel“, getragen vom Verein WRG studios. Er wurde in diesem Jahr gegründet von Dominik Kuschmieder und Till Terschüren, die beide an der HBK Braunschweig studieren. Die zwei haben bereits 2019 auf einem kleinen Gewerbehof am Frankfurter Platz ein selbstverwaltetes, unabhängiges Gebäude für Kunstproduktion ins Leben gerufen, mit inzwischen sieben Ateliers auf zwei Etagen, Gemeinschaftsräumen und einer Werkstatt. Die Mitglieder des Vereins sind diejenigen, die in den Ateliers arbeiten; sie kommen auch aus diversen Gruppen, die während der Corona-Jahre im Stadtteil aktiv waren. Aktivitäten gibt es also schon seit längerem, nun sollen diese unter dem Label WRG studios gebündelt werden. Die nicht nur räumliche Nähe zur HBK ist Programm: Das Ziel des Vereins ist es, eine zeitgenössische Kunstszene zu verstärken, die Braunschweig, diese Stadt in der Mitte Deutschlands mit einer der größen Kunsthochschulen, für Künstlerinnen und Künstler attraktiv macht, so dass diese nach Abschluss des Studiums hier bleiben. So bot WRG studios im Oktober einen DJ-Workshop für Leute der queeren Personengruppe FLINTA* an. Auch soll der Austausch mit Kunstschaffenden aus anderen Städten gesucht, der Diskurs über die Stadtgrenzen hinaus gefördert werden. Der Präsentationsraum „weissnicht/knöchel“ soll auch Kunstschaffenden von außerhalb zur Verfügung stehen, ein Jahresprogramm für 2023 ist in Arbeit.

Zur Zeit ist dort die Ausstellung „Staging a confrontation“ zu sehen, eine Rauminstallation von Bubu Mosiashvili (geb. 1997 in Tiflis, Georgien), der die Staatliche Kunstakademie Tiflis absolvierte und derzeit Bildende Kunst an der Hochschule für Künste Bremen studiert. Er hat sich mit den noch existenten Kolonialdenkmälern in Bremen und Braunschweig beschäftigt und ihre problematische Geschichte gründlich recherchiert. Das Resultat ist eine künstlerisch-konzeptionelle Arbeit, in der sich zwei wilde Tiere – der Elefant des Bremer Anti-Kolonialdenkmals und der Löwe des Braunschweiger Kolonialdenkmals im Prinzenpark – in einem dekonstruierenden Dialog begegnen. Dazu ist Sound zu hören, u.a. das Gebrüll der Tiere und die Jubelrufe von Leuten, die der Demontage von Statuen von historischen Persönlichkeiten in den USA zusehen, die heute als Rassisten eingestuft werden. Die Stellwände der Installation werden – so scheint’s – gehalten von Kunststoffbändern, die man zum Niederreißen solcher Denkmäler benutzt. Ergänzt wird die Ausstellung von einer sehr informativen Publikation, in der sich zwei Texte mit konträren Ansätzen zur Frage des Umgangs mit solchen Relikten einer höchst fragwürdigen Vergangenheit gegenüberstehen. Sehr sehens- und lesenswert. Dem Verein ist für seine Projekte viel Glück und Erfolg zu wünschen. (Bis 16.12., weissnicht/knöchel, Sophienstraße 12, 38118 Braunschweig, Öffnungszeiten: mittwochs, freitags und sonntags, 15-19 Uhr)

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„Erst der Knall, dann der Schwebezustand“, Malmaterialien: Acryl, Öl, Pastell- und Ölkreide, Sprühlack, Tusche, Pigmente und Latex auf Stoffen. Die Arbeit von Ugur Ulusoy füllt eine ganze Wand im Kunstverein Wolfenbüttel. Nein, nicht auf Leinwand, die auf einen Rahmen gespannt ist, malt der Künstler, sondern auf dünnen Tüchern, die er zu großen Formaten aneinandernäht und die leicht und lose vor der Wand herabhängen. Manche von ihnen, die kleineren, sind noch brave Rechtecke, ganz wie das gute alte Tafelbild, und am traditionellsten wirkt noch eine Reihe von kleinen, feinen Kugelschreiber-Zeichnungen. Doch überall wirbeln die knalligen Farben – Grellpink, Gritzegrün, Himmelblau und Zitronengelb – und die Formen schweben, wabern und wuchern. Selten klingt etwas Gegenständliches an, zumeist repräsentiert die Kunst sich selbst als Malerei, als mit breitem, gestischen Pinselstrich aufgetragene oder auch gesprühte Farbe. Manchmal tauchen in diesem Kosmos kubisch-architektonische Formen auf, doch die meisten sind rund, geschwungen, organisch, alles scheint in rotierender Bewegung zu sein…

„Gezgin, lass uns gehen“ hat Ugur Ulusoy seine Ausstellung genannt. „Gezgin“ ist türkisch und bedeutet „weitgereist, umherziehend“. Der Maler, der sich selbst als reisenden Wanderer bezeichnet, lädt die Gäste seiner Schau dazu ein, in die Bewegung zu kommen, gewohnte Denkschemata zu verlassen und Grenzen zu überwinden. All dies tut auch seine Malerei, etwa, wenn der Malgrund sich über das konventionelle Rechteck ausdehnt, bizarre Konturen annimmt, eingeschnitten wird oder nur an einer Spitze aufgehängt ist, so dass der Stoff wellig herunterschlappt. weiter…

„Strange Itineraries“ heißt die Ausstellung von Arbeiten der Studierenden der HBK Braunschweig, die dieses Jahr ihre Ausbildung als Meisterschüler und -schülerinnen beschließen und denen nun der Schritt an den Kunstmarkt, ins „Betriebssystem Kunst“ bevorsteht. Ja, sehr eigene und oft auch eigenartige Reisewege zeichnen sich in dieser Schau des Kunstvereins Braunschweig ab. Im Foyer der Villa „Salve Hospes“ zeigt Sunny Pudert „STTING IS PLEASURE“, eine Folge von drei weißen Betonsockeln, gekrönt von schwarzen Silikon-Pyramiden, sie laufen auf das rautenförmige Bild eines sich aufbäumenden Pferdes zu – klare skulpturale Setzungen in strengem Schwarz-Weiß-Kontrast. Da sieht gut aus in der Rotunde, doch was hat es zu bedeuten? Von der Künstlerin erfährt man, dass sie sich mit „defensiver Architektur“ auseinandersetzt, also Vorrichtungen in Städten, die es Menschen unmöglich machen, zu sitzen und zu verweilen. Die weiche Silikonspitze soll die Lust des Sitzens veranschaulichen, das Pferd den Widerstand gegen den Zwang, aber auch männliches Imponiergehabe. Das ist konzeptuell-verklausuliert und dem Werk nicht anzusehen, es wird damit gedanklich überfrachtet.

Eine ganze Reihe von Arbeiten sind beeindruckend kunstvoll gemacht, auch schön anzusehen, können einen aber auch als reine l’art pour l’art etwas unbefriedigt zurücklassen. Dazu gehört etwa die Malerei von Verina Schwarz, die sich mit Hathor, der altägyptischen Göttin der Liebe, der Kunst, des Friedens und aller weiblichen Wesen beschäftigt. Carlotta von Drinkewitz verknüpft in sensiblen Wandobjekten Eindrücke von der Architektur Neapels mit der klassizistischen Ornamentik und Symbolik des Kunstvereins. Ihre Bodenarbeit „The Gods did create man, man create gods“ ist aus verzweigten Formen gebildet, in denen man erst auf den zweiten Blick die Buchstaben entdeckt.

Agathe Borbes gewelltes Badehandtuch aus Glasfasergewebe, Epoxidharz, Pappmachée, Glasur und Decorfarbe fasziniert als zerbrechliches Gebilde; die Künstlerin hat ihm auch ein Gedicht gewidmet. Viiri Linnéa Broo Andersson lädt mit ihren „Candysticks“ dazu ein, neue organisatorische Systeme zu denken, indem sie bunt-glitzernden Stäbe mal an die Wand lehnt, mal bündelt, mal im Gestell anordnet.

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Christiane Möbus hinter ihrer Arbeit „Kriminalstück II“ (1989/1991) und vor „Mississippi-Projekt“ (1970/1971)

50 Jahre ist es her, dass sie auf dem Braunschweiger Nussberg mit selbst verfertigten Flügeln zum Sprung ansetzte, in der Aktion „das unnötige Verlöbnis der Frau Holle mit dem Schamanen – oder – a new life“. Das Studium an der SHfBK Braunschweig bei Emil Cimiotti lag da schon hinter ihr, und soeben war sie von einem zweijährigen Studienaufenthalt als DAAD-Stipendiatin in New York zurückgekehrt. Der Sprung in ein neues Leben und in die Riege der Großen der deutschen Kunst ist Christiane Möbus gelungen. Seit fünf Jahrzehnten arbeitet die Objekt- und Konzeptkünstlerin auf den Gebieten Fotografie, Film, Skulptur und Installation; als Professorin der HBK Braunschweig (1982-1990) und der Universität der Künste Berlin (1990-2014) war sie auch als Hochschullehrerin erfolgreich. 1947 geboren, gehört sie zu jener Künstlergeneration, die die Protagonisten von Pop Art und Minimal Art ablöste. Nun haben das Sprengel Museum und der Kunstverein Hannover für Möbus anlässlich ihres 75. Geburtstags die wunderbare Retrospektive „Seitwärts über den Nordpol“ ausgerichtet. Eine Ausstellung an zwei Orten, so die Kuratorinnen Kathleen Rahn (Kunstverein) und Gabriele Sand (Sprengel Museum), ein mentales Feld, wo alte und neue Arbeiten Bezüge zueinander aufnehmen und ein Gesamtkunstwerk bilden, in dem das ganz Eigene von Möbus‘ Kunst zum Vorschein kommt. Sie arbeitet mit vorgefundenen realen Gegenständen und kombiniert von jeher eigenwillig und gewitzt Dinge miteinander, die nach der herkömmlichen Logik nichts verbindet; so ergeben sich neue, mal spielerische, mal bedeutungsvolle Verknüpfungen.

„Das Zentrum des Wassers kann den Mond nicht sehen“ (1975/1976)

Ein weiteres wesentliches Moment sind die metaphorischen Titel, die, oft handschriftlich hinzugefügt, integraler Bestandteil der Arbeit sind und einen weiten Assoziationsraum eröffnen. Eine präparierte Giraffe schwebt an Drahtseilen auf einem Metallpodest über dem Boden („Küsse vom König“, 2001/2007). An das kompakte Fahrerhaus eines schwarzen Lkw hat sich eine Wolke duftigen schwarzen Tülls angedockt („Schneewittchen“, 1994/2007).

„Schneewittchen“ (1994/2007)

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Das Panoramafoto einer gewaltigen Baugrube in der Lafayette Street in Manhattan, New York City, 1981. Die Wände mit Betonplatten und diagonalen Stahlträgern abgestützt, der Boden ein Gewirr von aufgerissener Erde, Geröll, alten Fundamenten, Leitungen. Die Höhe der ringsum aufragenden Häuser steigert noch die Tiefe der Grube, die klaren kubischen Formen kontrastieren mit dem Eindruck des Chaotischen.
Wer dieses großformatige Bild auf sich wirken lässt, der begreift, dass es von seinem Schöpfer heißt: Raimund Kummer arbeitet mit vorgefundenen skulpturalen Situationen im realen Raum und trennt nicht länger zwischen dem Entstehungsort eines Kunstwerks und dessen Veröffentlichung. Auf diese abstrakte Formel lässt sich das Œuvre Kummers, der seit 1995 eine Professur für Bildhauerei an der HBK Braunschweig innehat, sprachlich eindampfen. Anlässlich seiner Emeritierung hat er nun mit den zwei polar aufeinander bezogenen Ausstellungen „Kummer weint“ (Schwarzweißfotografie in der Montagehalle) und „Schließ die verdammten Eisfach!“ (Skulptur/Video/Sound in der Hochschulgalerie) eine faszinierende Innen- und Rückschau auf sein bisheriges Werk vorgenommen. Beide Projekte zeigen Arbeiten, die der Künstler bei der intensiven Recherche zu seinem Werkverzeichnis neu entdeckt und bewertet hat. „Kummer weint“ umfasst über 1000 von 1976 bis heute analog belichtete Vintageprints, Handabzüge und Digitaldrucke auf Barytpapier, Siebdrucke hinter Glas und xerografierte Bücher. In Vitrinen und zu Tableaus angeordnet an den Wänden, erinnern sie an biographisch-künstlerische Stationen Kummers wie Reisen, Studienaufenthalte, Wohnungen, Ateliers, Wegbegleiter der Künstlergruppe „Büro Berlin“ und zahlreiche Projekte. Die pfeilartig aufgestellten Vitrinen führen geradewegs auf den Fluchtpunkt der Arbeit „Carl Andre“ von 1980 zu, ein Schlüsselwerk in Kummers Auseinandersetzung mit der amerikanischen Minimal Art. „Kummer weint“ aus dem gleichen Jahr – ein Ensemble von Selbstportraits (Kontaktstreifen, vergrößert) – mag dem Schmerz über die Isolation des Malers im Atelier entsprungen sein, denn bevor er dieser Situation entfloh und mit der skulpturalen Arbeit im öffentlichen Raum begann, hatte Kummer an der HdK Berlin bei Fred Thieler Malerei studiert. Zwei weitere Portraits nehmen in der Ausstellung eine markante Position ein: eine Aufnahme von Kummers Hinterkopf, in dessen kurzes Haar ein Fragezeichen hineinrasiert ist, bildet den programmatischen, das experimentelle Moment seines Schaffens verkörpernden Auftakt. Die enorme Quantität der Exponate schließlich übergreift das von einem Riss durchzogene künstlerische Subjekt mit „Cut“, einer Serie von Selbstbildnissen, die mit einem zerschnittenen Film aufgenommen wurden.
Den dunklen Raum der Hochschulgalerie füllt fast bis an die Ränder eine bedrängend große Skulptur, eine Abfolge von Blöcken, gebildet aus 84 übereinander gestapelten Aluminiumrahmen des ehemaligen Ausstellungssystems des Essener Museums Folkwang. An jeder der Stirnseiten ist ein Video zu sehen, einmal von einem rotierenden, netzartigen Kunststoffgebilde, das wie ein Gehirn oder ein inneres Organ anmutet. Gegenüber ein Film von einer ebenfalls rotierenden Schwenkgussapparatur mit der Negativgussform eines Modells des Sehnervs des menschlichen Auges; er greift das Sehen auf, das Kummer in seinem Œuvre immer wieder als elementaren Aspekt von Kunst thematisiert hat. Die farbige, bewegte Leichtigkeit dieser Projektionen bildet einen spannenden Gegensatz zu den grauen, schweren, statischen Blöcken. Dazu erklingt – als immaterielles Moment der Installation – eine Frauenstimme, die die Titel der rund 1000 von Kummers Werkverzeichnis erfassten Arbeiten spricht.
Beide Ausstellungen stellen ganz eigene Kunstwerke dar, die durch ihr gedankliches Konzept, durch klar strukturierte Fülle sowie durch jene Perfektion und Schönheit bestechen, die Raimund Kummers Arbeiten seit jeher auszeichnen. Der Künstler bedankte sich sehr herzlich bei den hervorragenden WerkstattleiterInnen der HBK und bei allen MitarbeiterInnen, die mit ihm diese Kunstwerke und den umfangreichen Katalog dazu realisiert haben. (Bis 27. 5., HBK Braunschweig, Johannes Selenka-Platz, Öffnungszeiten: Mo–Fr: 14–18 Uhr, feiertags geschlossen)

Pressefotos hier: https://powerfolder.sonia.de/getlink/fiFhKKrcDvbwZbZYa7Y2MBqj/Pressefotos-deutsch-komprimiert.pdf

Ruhige Sittiche, 2007

Fremde Ebenen, unklare Zustände, unruhige Nachtzonen, gefährliche Pflanzen wie Alublätter und Antennenkräuter – dies alles wartet darauf, die Besucher des Museums für Photographie zu erstaunen, zu verzaubern, zu irritieren und zu verwirren. Der Maler, Bildhauer und Fotograf Hartmut Neumann (geb. 1954) ist seit 1992 Professor an der HBK Braunschweig und wird im Sommer 2022 emeritiert. Letzteres war dem Museum ein willkommener Anlass, seinen Fotoarbeiten eine Ausstellung zu widmen.

Die neue falsche Welt der Affen – Unklare Zustände (Schattenwurf)“ von 2020/21

Malerei, Skulptur, Zeichnung und Fotografie durchdringen einander in Neumanns komplexen Arbeiten. Ebenso ist er dafür bekannt, dass er seit langem das Verhältnis von Natur und Kunst betrachtet und inszeniert. Schon als Kind begeisterte Neumann sich für Tiere, Pflanzen und Früchte, angeregt durch Abbildungen in Schulbüchern, durch Dioramen in Naturkunde-Museen und durch seinen Vater, der Vögel hielt und Wellensittiche züchtete; er selbst besitzt eine große Sammlung von Tierpräparaten. Die von ihm zumeist als Skulpturen und Installationen geschaffenen, und dann fotografierten Welten aus Alltagsgegenständen, Naturdingen und ausgestopften Tieren sind vom Geist der Kunst- und Wunderkammern der Renaissance und des Barock, von der ihnen eigentümlichen Verbindung von Naturalien und Artefakten inspiriert. Dort vollendete mit dem Nautiluspokal, dem geschnitzten Straußenei, der in raffinierter Goldschmiedearbeit gefassten Perle die Kunst, was die Natur begann. So harmonisch geht es jedoch in Neumanns Arbeiten nicht zu: Zwar wirkt die Natur hier oft künstlich, die Kunst natürlich, doch bilden beide meistens einen dialektischen Gegensatz. In der Serie „Die neue falsche Welt der Affen – Unklare Zustände (Schattenwurf)“ von 2020/21 etwa hat der Künstler mit von Gips überformten Zweigen eine bizarre, seltsam kalte und tote Landschaft aus organischen Formen geschaffen. Die ausgestopften Äffchen darin wirken ausgesetzt und verloren, sie erinnern an all das, was die Menschen dieser besonderen Spezies und den Tieren überhaupt angetan haben. Zugleich tauchen in der Landschafts-Skulptur figürliche Anklänge auf, die auf die Verwandtschaft zwischen Affe und Mensch zu verweisen scheinen. Und schließlich ist das Ganze sehr effektvoll beleuchtet und aufgenommen, so dass im Schattenwurf Artifizielles und Natürliches miteinander zu ähnlichen Formen verschmelzen.

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Den jungen Mann hätte man früher einen „Wilden“ oder „Primitiven“ genannt. Der Indigene, eine aus Holz geschnittene Silhouette, steht mit zwei ähnlichen Figuren in der Rotunde des Salve Hospes, in deren Wandnischen klassizistische Statuen Platz gefunden haben. Dieser aus dem Geiste des antiken Griechenland geborenen europäischen Kunst erklärt der Indigene gewissermaßen den Krieg, denn hinter ihm ragen nicht nur weitere Arme und Beine hervor, sondern auch Gewehre; ihre Anordnung erinnert an Leonardos „Vitruvianischen Menschen“. Neben ihm eine asiatische „Genossin“ in traditionellem Kleid und Kopfschmuck und – einer Granate in jeder Hand. Eine – ziemlich plakative – Kampfansage auf der ganzen Linie!

Die drei Figuren hat die Amerikanerin Rajkamal Kahlon (geb. 1974) geschaffen, die Malerei, Zeichnung und Collage als künstlerischen Widerstand gegen den Kolonialismus und seine Ausläufer einsetzt. Sie gehört zu jenen zwölf Künstlerinnen, die in den vergangenen drei Jahren den Preis der Villa Romana in Florenz erhielten und, zusammen mit einem Art Research Fellowship Gastkünstler, ihre Arbeiten nun im Kunstverein Braunschweig ausstellen. (Der Villa Romana-Preis ist der älteste deutsche Kunstpreis. Seit 1905 wird er jährlich an vier junge Künstler verliehen. Er ist mit einem mehrmonatigen Arbeitsaufenthalt im Künstlerhaus Villa Romana, einem freien Atelier sowie einem monatlichen Stipendium verbunden.) Ihre Werke sind ein vielfältiger Medienmix aus Malerei, Zeichnung, Skulpturalem, Installation und Video, viele von ihnen illustrieren aktuelle politische Diskussionen.

Mit dem Kolonialismus und seinem Erbe hat sich auch die Chilenin Marcela Moraga (geb. 1975) beschäftigt. Ihre Videoinstallation behandelt den Genozid an den indigenen Völkern in Feuerland. Ausgangspunkt für Moragas Recherche war die Sammlung des ersten anthropologischen Museums Italiens in Florenz sowie ein Buch des Museumsgründers, das im Video aufgeblättert wird. Auf dem Audiokanal hört man dazu den Bericht eines deutschen Missionars über jenen Genozid. Auf einem weiteren Monitor sind Aufnahmen von Michelangelos David im Wechsel mit solchen von der Statue eines indigenen Jungen aus dem Florentiner Museum zu sehen; beide Skulpturen begegnen sich auf Augenhöhe. Diese Inhaltsbeschreibung mag sich dröge lesen – die Arbeit selbst ist es keineswegs, sondern hat auch eine überzeugende ästhetische Form angenommen.

Das deutsche Künstlerinnen-Duo Lydia Hamann und Kaj Osteroth (geb. 1977 und 1979) zeigt im Medium der Malerei auf, dass nur ein winziger Bruchteil der Werke in den Uffizien und in der Berliner Gemäldegalerie von Frauen stammen – inzwischen eine Binsenweisheit. Diesen Ausnahmen sind die Bilderserien, „Glamshot Firenze“ und „Glamshot Berlin“ gewidmet, die – gekonnt und hübsch anzusehen – Ausschnitte aus Gemälden berühmter Malerinnen von der Renaissance bis zum Klassizismus kopieren oder zitieren.

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„Möchte der Herr nicht lieber einen Einzeltisch, oder erwartet er noch jemanden?“ Der so vom Kellner befragte Gast im Ristorante da Vinci zieht als Antwort ein langes Gesicht. Es ist Jesus, der da sitzt, in unsere Gegenwart zurückgekehrt, an der mit weißem Tischtuch gedeckten Tafel aus Leonardos berühmtem Mailänder Wandgemälde „Das letzte Abendmahl“. Einsam harrt er seiner zwölf Jünger – doch sie kommen nicht. Haben die Menschen heute keine Zeit mehr für ihn und seine Botschaft, haben sie ihn gar völlig vergessen?

Der Cartoon von Gustav Glück aus dem Jahr 2015 gehört zur Sammlung von bis jetzt zehn Abendmahlsdarstellungen der Stiftung Jürgen und Karin Prüsse. Alle zehn werden nun in einer Ausstellung in der Jakob-Kemenate gezeigt, für die Dauer der Fastenzeit, von Aschermittwoch bis Gründonnerstag, dem Tag des Abendmahls. Jochen Prüsse hat die meisten dieser Arbeiten bei Künstlerinnen und Künstlern in Auftrag gegeben, die eine Einzelausstellung in der Jakob-Kemenate hatten. Nun wollen er und seine Frau mit der Ausstellung für die Zeit vor Ostern zum Nachdenken über die Passionsgeschichte, den Kreuzestod Christi und die Auferstehung anregen.

An Leonardo da Vinci haben sich außer Glück noch andere Künstler abgearbeitet, allen voran Ben Willikens, der von 1982 bis 1991 eine Professur für Malerei und Graphik an der HBK Braunschweig innehatte. Er wurde bekannt mit in reinen Weiß- und Grautönen sehr akkurat und ohne jegliche Pinselspur gemalten, kühl und steril wirkenden Interieurs. In diesem Stil erschuf er 1979 auch Leonardos „Abendmahl“ neu, als einen in kalt-gleißendes Licht getauchten Raum, aus dem Christus und die Jünger getilgt sind. Gerade diese Leere ist es, die Willikens‘ Abendmahlsdarstellung als so paradigmatisch für unsere Zeit erscheinen lässt: Das Heilsgeschehen ist unvorstellbar, der Glaube daran erschüttert oder ganz abwesend.

Auch bei Gudrun Brüne, bereits in der DDR eine erfolgreiche Malerin, ist Christus eine Leerstelle, eine gesichtslose Gliederpuppe. Sie hat sich in ihrem großen Gemälde von 2017 am engsten an die Figurenkomposition Leonardos gehalten, doch die Jünger verbergen hier ihre Gesichter unter glatten, weißen Masken. Dazu die Künstlerin selbst: „Ich wollte Jesus nicht durch ein Gesicht verstellen, und die Jünger verstecken sich. Jeder fragt sich insgeheim angstvoll, ob er der Verräter sein wird. Ja, jeder könnte es sein.“ Sie nimmt also die menschlichen Reaktionen der zwölf Männer – und auch Frauen – auf die Ankündigung des Verrats in den Fokus.

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In geballten Wolken schwebt ein riesiges schwarzes Gestirn über eine Reihe von Hochhäusern. Eine Figur mit ausgestreckten Armen steht in einem Wirbel kreisender Linien. Neun Hüte bilden ein Quadrat, darüber zwei Hände mit erhobenem Zeigefinger. Motive aus der neuen Folge „Pandemische Collagen“ des alten Siegfried Neuenhausen, die nun im Kunstverein Wolfenbüttel gezeigt wird. Material für diese Arbeiten war die Restauflage der Holzschnitt-Serie „Deutsch-deutsche Drucke“ von 1990, die der Künstler zerschnitt und neu zusammenfügte. Dabei ergab sich nicht nur Gegenständliches, sondern vor allem reizvolle grafische Strukturen: Streifen, Gitter, konzentrische Kreise. „Störfaktoren“ und dinghafte Einsprengsel durchbrechen und beleben diese Grundmuster.

Doch: „Ich war nie ein Künstler, der nur im Atelier vor sich hin gearbeitet hat“, stellt Neuenhausen, im Künstlergespräch zur Eröffnung klar. Nein, wahrhaftig nicht! Zwar studierte er 1952 bis 1959 Neuenhausen an der Kunstakademie Düsseldorf ganz klassisch Malerei (bei Georg Meistermann) und Kunsterziehung, war anschließend in Hannover als Kunstpädagoge tätig und erhielt 1964 eine Professur an der HBK Braunschweig. Aber dann ging’s los: Seine Arbeiten wuchsen in die dritte Dimension hinaus und in die Popart hinein. „Damit warst Du damals der Modernste an der HBK“, so Gesprächspartner Lienhard von Monkiewitsch. In den 1970er Jahren entwickelte sich Neuenhausen dann mit Skulpturen à la Edward Kienholz, z.B. von gefolterten Gefangenen, zum politisch engagierten Künstler. Gleichzeitig suchte er in der Lehre nach neuen Formen, holte etwa beim Aktzeichnen zwei Obdachlose als Modelle. Dabei entstanden nicht nur Zeichnungen, sondern, aus menschlichem Interesse heraus, auch Plastiken, Fotos, Reportagen. Neuenhausens humanitär begründetes Engagement für Benachteiligte und Leidende führte 1979 in Bremen zu einem ersten soziokulturellen Projekt mit Strafgefangenen, die an die Steinbildhauerei herangeführt wurden und dabei ganz neue Fähigkeiten an sich entdeckten. Diese Werkstatt – heute sind es drei – ist in der Strafanstalt seit 40 Jahren fest angesiedelt, die Arbeitsergebnisse sind dauerhaft ausgestellt, 11 Künstler arbeiten dort. „Da war Kunst wirklich politisch, denn sie hat Realität verändert“, stellt Neuenhausen fest. Dieser Pioniertat folgten ähnliche Projekte mit Psychiatriepatienten in Hamburg-Ochsenzoll und Wunstorf sowie in Hannover-Hainholz mit den Bewohnern dieses Stadtteils, darunter viele Migranten. Dort hat der Künstler 1983 eine Schnapsfabrik erworben, als Ateliergebäude und „Gesamtkunstwerk, wo die Kunst von innen nach außen, in den Stadtteil hinein wirken soll“. Für sein Engagement erhielt Neuenhausen 1988 das Bundesverdienstkreuz I. Klasse.

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Welch ein Kontrast! Draußen: alles deprimierend trüb, grau, regnerisch. Dann öffnet man die Tür zum Kunstverein Wolfenbüttel und steht im „Wunderhaus“ der japanischen Künstlerin Chinatsu Ikeda, mitten in einem Rausch der Farben! Fußboden und eine Wand des großen Raumes leuchten osterglockengelb; Grasgrün und Weiß dominieren in den anderen beiden Räumen. An den Wänden hängen und stehen auf Regalböden die knallbunten Bilder und Objekte von Chinatsu Ikeda. Doch was heißt schon „hängen und stehen“, hat doch die Künstlerin die Präsentation ihrer Arbeiten installativ gestaltet und alle drei Räume komplett verwandelt. Ornamentale Malereien schmücken die Wände, und um die einzelnen Arbeiten ranken sich langstilig-verschlungene Blumen aus Papier.

Die Bilder, vorwiegend Aquarelle, zeigen Pflanzliches und Landschaftliches, manchmal pointillistisch aufgelöst in Reihen von farbig modulierten Pünktchen, manchmal mit aus farbigem Papier ausgeschnittenen Formen. Unter den Objekten finden sich Blumenvasen, Tassen und Becher aus bemaltem Pappmachée, Zahnbürsten, Latschen sowie Gitarren, dreidimensional geschaffen aus farbigem Karton. Sie erinnern zurück an Picassos Gitarren aus seinen Bildern der Phase des synthetischen Kubismus ab 1912 und an seine plastischen Gitarren, ebenfalls aus Karton geformt. Doch diese sind meistens in Braun- und Beigetönen gehalten, während Ikedas Instrumente bunt sind. So bunt wie die Gemälde von Picassos Zeitgenossen, Freund und Antipoden Henri Matisse, der als zweiter großer Pate über ihren Arbeiten und dieser Ausstellung steht. Von seinen Scherenschnitten sind Ikedas Cutouts inspiriert, von seinen stilisierten Blättern ihre Pflanzenformen, von seinem Kolorismus ihre Buntfarbigkeit.

Das alles ist getragen von einer wunderbaren Verspieltheit, dass einem ganz leicht und froh ums Herz wird. Hatte nicht Matisse ein Leben lang „von einer Kunst des Gleichgewichts, der Reinheit, der Ruhe“ geträumt, „einer Kunst, die für jeden Geistesarbeiter (…) ein Beruhigungsmittel ist, eine Erholung für das Gehirn, so etwas wie ein guter Lehnstuhl, in dem man sich von physischen Anstrengungen erholen kann“? Das „Wunderhaus“ jedenfalls macht dem Novemberblues garantiert den Garaus.

Chinatsu Ikeda begann 2007 ihr Studium an der School of the Art Institute, Chicago, das sie mit einem Master in den Schönen Künsten, in Malerei und Zeichnung abschloss. Sie lebt und arbeitet in Berlin. (Bis 19.12., Kunstverein Wolfenbüttel, Reichsstr. 1, 38300 Wolfenbüttel, Öffnungszeiten: Mi bis Fr 16–18 Uhr, Sa und So 11–13 Uhr).